Cherchez l'erreur.

Je sais pas faire genre (mais est-ce un problème?)

L’improvisation théâtrale est réputée constituer un espace de liberté. Elle permet de tout jouer, de tout imaginer, de tout incarner.

La palette de jeu qu’offre l’impro est en effet gigantesque ! J’ai incarné sur scène plusieurs dizaines d’espèces animales différentes, des petits enfants, des ados, des personnes âgées, des personnes hétéro- et homosexuelles, des fruits et légumes, des objets divers et variés, la mort, différents concepts philosophiques, des dieux, des extra-terrestres… Mais au sein cette liste bigarrée, je dois reconnaître que j’ai très, très, très peu incarné de personnages féminins.

Pourquoi ?

Si je m’y arrête deux secondes, je dois avouer que c’est complètement absurde ! Mais le constat est bien là : j’ai du mal à adopter un personnage qui ne correspond pas à mon expression de genre. Et je sais que je ne suis pas le seul.

Sexe vs genre : le B-A BA

Avant d’aller plus loin, reposons les bases : je viens d’écrire le mot « genre. » A quoi cela correspond-il ? Je pense que si vous lisez cet article vous avez de grandes chances de déjà le savoir, mais je ne peux pas me permettre de négliger ce point.

Déjà pour partir d’une bonne base, il faut distinguer les notions de sexe et de genre.

Le sexe est une notion d’ordre physiologique : je suis désigné comme un homme quand j’ai un pénis et un scrotum ; je suis désignée comme une femme quand j’ai une vulve et un utérus. Je passe rapidement sur les questions que cela soulève quand ces deux catégories ne se concrétisent pas dans les faits… Sachez qu’un peu moins de 2 % des personnes naissent intersexe, et sont généralement sujettes à des interventions chirurgicales forcées, pour les conformer à l’un des deux « modèles »…

Le genre, quant à lui, est une notion pleinement sociale et comportementale : je suis désigné comme un homme quand je porte des costumes-cravate, regarde le foot, boit des bières ; je suis désignée comme une femme quand je porte des jupes, lit des magazines de mode, m’épile les jambes.

Petite illustration personnelle de ce concept : il y a dix ans de cela, j’avais livré à un algorithme les précieuses données de mon compte facebook, pour reconstituer mon profil social et psychologique. C’était le même genre d’algorithme qui avait été utilisé pour définir et orienter les messages ciblés lors de la première campagne électorale de Donald Trump. Il se basait sur les travaux de Michal Kosinski, un jeune chercheur qui avait travaillé entre autres au laboratoire d’études en psychométrie de l’université de Cambridge. Ses recherches auraient établi qu’il est possible, à partir d’un minimum de 68 « likes », de prédire la couleur de peau d’un internaute (à 95%), son orientation sexuelle (88%) ou ses convictions politiques (85%). Mais aussi son genre, avec une probabilité de succès de 93 %… Piqué de curiosité, j’avais testé le bouzin en lui livrant mes « likes » facebook. Et ce fameux algorithme m’annonçait, à 77 % de probabilité… Que j’étais une femme !

Je voudrais que l’on s’arrête un moment sur ce que l’existence même de cet algorithme implique : on peut deviner le genre d’une personne à partir de critères entièrement sociaux et comportementaux. Rien de biologique dans tout cela. Je ne suis pas une femme parce que j’ai une vulve et un utérus, mais parce que j’achète du rouge à lèvres et que j’écoute Rihanna.

Le genre est ainsi une catégorisation comme une autre, mais qui devient problématique dès lors qu’elle sert de critère d’oppression. Les femmes sont victimes de violences, de discriminations, de stigmatisation, à la différence des hommes qui bénéficient d’une position dominante et sont perçus comme « neutres ». Notre position dominant/dominée nous est ainsi assignée à la naissance, à partir de notre sexe biologique. Pas très juste tout ça…

Par ailleurs, chacun des deux genres s’accompagne d’un bagage culturel qui ne convient pas forcément une personne qui s’y voit assignée du fait de son sexe. Cela motive de nombreuses personnes à dissocier leur identité de genre de leur sexe biologique, ou à se concevoir comme une personne « non binaire », afin de se libérer des stéréotypes associés aux deux catégories « masculin » et « féminin ».

On parle de « cisidentité » pour définir la situation d’une personne dont l’identité de genre correspond au genre qui lui a été assigné à sa naissance. Un homme cis est une personne qui a été élevée comme un homme depuis sa naissance. Le contraire de cisgenre est transgenre. Un homme trans est une personne qui a été élevée comme une femme depuis sa naissance et décide d’adopter une expression de genre masculine. Dans les communautés LGBTQIA+ (lesbiennes, gays, bis, trans, queer, intersexes, asexués et autres non binaires), on parle de « passing » pour désigner l’expression de genre. Une personne assignée femme peut par exemple avoir un « passing » masculin.

L’improvisation théâtrale, parce qu’elle offre la possibilité d’inventer des personnages et des univers de A à Z, devrait justement offrir la liberté de refaçonner les identités de genre ou du moins de naviguer librement entre les deux genres dominants au sein de notre société.

Sauf que dans les faits je vois que je n’y arrive pas !

Faute de mieux, je pratique l’improvisation monogenre

Revenons donc à la question de départ : pourquoi ai-je du mal à adopter un personnage qui ne correspond pas à mon expression de genre ? Alors que selon l’algo facebook j’aurais même plutôt tendance à me rapprocher dans mes goûts du genre féminin ?

Je pense que je restreins mon jeu pour la même raison que j’incarne très peu de personnages racisés, ou handicapés, ou des sans domicile fixe par exemple.

C’est délicat pour moi d’incarner une personne minorisée quand j’appartiens moi-même à la population dominante. Car j’ai peur :

  • soit de véhiculer des stéréotypes oppressifs,
  • soit de ne pas faire honneur au vécu de ces catégories de personnes, que je connais insuffisamment,
  • soit de leur « confisquer » le récit de leur vécu, alors qu’elles méritent à mes yeux d’occuper l’espace scénique pour cela.

Je fais donc de l’autocensure. Je me restreins à pratiquer ce qu’on peut appeler de « l’improvisation monogenre ».

Je désigne ici une configuration où les artistes incarnent essentiellement des personnages dont le genre correspond à leur « passing » : les artistes qui ont l’air d’être des mecs jouent des personnages masculins et inversement.

C’est une restriction du champ des possibles, que je m’applique et que j’ai également tendance à conseiller aux improvisat·eur·rice·s débutant·e·s aussi bien hommes que femmes. Pourquoi ?

Les raisons sont multiples et dépendent du genre de l’artiste.

Comédien homme + personnage femme = forte probabilité de malaise

Si un mec cis hétéro incarne une femme – et veut signaler clairement à ses camarades et au public que son personnage est féminin – il va recourir à des codes comportementaux et sociaux stéréotypés. Et ces stéréotypes sont sexistes, parce que nous vivons dans une société patriarcale.

C’est ce que rappelle Nabla Leviste dans son ouvrage La fabuleuse science de l’imprévu (2018) : « Lorsqu’on joue un autre sexe, nous sommes hyper caricaturaux. » Et ce n’est vraiment pas du tout ce que je veux voir sur scène !

Ouardane Jouannot, improvisat·eur·rice non-binaire, écrit de manière assez cash sur son blog (2021) : « Soyons clair, je n’ai jamais vu une bonne scène d’impro où un homme jouait une femme. »

Dans mes ateliers ou dans les spectacles auxquels j’assiste, je vois des improvisateurs incarner fréquemment des femmes pour de mauvaises raisons : par exemple ils se genrent au féminin car ils ne peuvent pas concevoir jouer sur scène un couple gay. Ou encore ils ont du mal à imaginer spontanément qu’un homme puisse par exemple exercer le métier d’infirmier ou de secrétaire.

Tous ces contre-exemples m’ont conforté dans ma posture personnelle d’auto-censure. Je me cantonne aux personnages masculins !

Comédienne femme + personnage homme : le piège du patriarcat

Je suis franchement moins gêné de voir des femmes incarner des hommes. Le patriarcat fait que les stéréotypes les plus dégradants et vecteurs d’oppression sont ceux liés aux femmes. Quand une femme incarne un homme, elle s’offre l’accès à une palette de jeu beaucoup plus large et peut proposer un personnage nuancé.

Nous vivons aussi dans un contexte culturel où l’espace est saturé par des récits racontés du point de vue masculin. Il est beaucoup plus facile pour une femme de développer de l’empathie avec le genre masculin que l’inverse.

Et quand bien même une artiste femme n’utiliserait que des clichés moqueurs associés à la masculinité, cela ne me gêne pas. C’est toujours sain de pouvoir railler les catégories sociales dominantes au sein d’une société. C’est la différence entre humour « punching up » et « punching down », déjà évoquée dans l’article consacré aux accents. Dans ce cas, je revendique le « droit à la caricature » !

« Madame Fait Salon » au Wonder Impro Festival (2023) avec Stella Pueyo, Emma Debroise, Mathilde Mir, Clémence Mollet.

MAIS, et c’est un grand MAIS, il existe tout de même une configuration où le fait de voir une femme jouer un homme n’est pas du tout souhaitable. Et elle est malheureusement très répandue ! C’est quand ce choix n’est pas conscient et résulte de l’expression de clichés sexistes.

Charlotte Finet en parle dans son article Halte au masculin neutre publié dans la revue Improscope (2026) :

[ Parlant des élèves femmes de son atelier ] « Un jour, je leur ai fait remarquer qu’elles se masculinisaient très souvent par défaut.

Par exemple, dans l’exercice « classique » du « je suis un arbre » (au cours duquel une première personne fait une proposition de personnage ou de chose, puis deux autres viennent compléter le tableau, une personne reste au plateau et on enchaîne ainsi différents tableaux).

Alors qu’elles peuvent jouer ce qu’elles veulent, elles arrivent au plateau en disant « je suis UN dentiste », « je suis UN petit garçon », « je suis UN voleur », « je suis UN touriste », « je suis UN sportif », « je suis UN canard » (et d’autant plus pour les personnages stéréotypés masculins ou de statut haut, elles joueront d’autant plus spontanément « UN garagiste » ou « UN patron »). Dans ces cas-là, je les reprends systématiquement : « tu peux être unE dentiste », « unE petite fille », « unE voleuse », « unE garagiste », « unE patronNE »… »

C’est un biais très répandu. Je l’ai constaté à plusieurs reprises dans mes ateliers. J’ai par exemple interrompu une scène historique où j’avais doté une improvisatrice comme celle qui accueillait des personnages dans son château. Elle s’était genré au masculin. Je lui ai demandé ce qui avait motivé son choix et elle m’avait répondu « Hé bien comme c’était au moyen âge, je ne pouvais qu’être un roi ou un seigneur ». J’ai du lui faire prendre conscience qu’elle pouvait parfaitement être… une reine.

Ce biais est d’autant plus dommageable que les femmes restent minoritaires dans le théâtre d’improvisation, a fortiori dans les milieux pro et semi-pro. Comme le fait de genrer son personnage au masculin n’apporte souvent rien de plus au propos de la scène, Charlotte assume de se forcer à ne jouer que des personnages féminins. Et d’encourager ses camarades improvisatrices à faire de même, pour que les personnages féminins ne soient pas minorisés sur scène.

Enfin, je cite un argument qui de mon point de vue n’est pas déterminant, mais pèse grandement dans la décision de troupes et de format·eur·rice·s de se restreindre à l’improvisation monogenre : celui de la clarté du jeu. Si un homme ou une femme décide de jouer un personnage d’un autre genre, le risque est élevé que cette décision ne soit pas comprise par ses camarades et que cela produise des erreurs de confusion sur scène.

Moralité, il vaut mieux se cantonner à jouer son propre genre, et surtout s’attacher à viser la parité femmes-hommes dans nos troupes.

Fin de l’article ? Ho non.

Car en fait cette position n’est vraiment pertinente que pour les artistes hétéros cisgenres. Elle va à l’encontre de ce que plusieurs improvisat·eur·rice·s militant·e·s queer recommandent !…

Tout le monde devrait pouvoir casser les barrières de la binarité

Nous avons décrit une solution de pis-aller permettant de limiter les représentations sexistes et patriarcales sur scène. Mais cette solution a le désavantage majeur de maintenir et alimenter une représentation binaire des genres.

Comme évoqué en début d’article, la distinction entre « masculin » et « féminin » est une construction culturelle, qui enferme les membres de la société dans un choix très polarisé où iels ne se retrouvent pas forcément. C’est cette tension entre une institution polarisante et l’aspiration naturelle à la liberté d’expression qui est à l’origine des identités queers et de la revendication d’une « non binarité ».

Plusieurs improvisat·eur·rices· spécialistes des questions de genre en improvisation sont de ce fait opposé·e·s à la règle « incarne des personnages qui correspondent à ton passing de genre ».

Stephen Davidson, improvisateur transgenre anglais et auteur des ouvrages Improvisons le genre (2019) et Play like an Ally (2019) plaide par exemple pour que tout le monde utilise la totalité de la palette du genre pour créer ses personnages sur scène. « Pourquoi ? Parce-que je ne veux pas devenir la seule personne responsable de la visibilité des personnes trans en impro, parce que penser à des expériences différentes vous rendra plus ouvert·e, et parce que faire quelque-chose qui vous met un peu mal à l’aise vous fera du bien« .

Stephen Davidson souligne qu’on se prend bien moins la tête quand il s’agit d’incarner un animal par exemple :

« Quand vous jouez un chat dans une scène, vous ne vous faites probablement pas de soucis sur comment représenter l’expérience d’un félin, vous vous amusez juste à être un chat, n’est-ce pas ? Et une autre personne jouerait un chat d’une autre manière et ce serait également amusant, vous ne pensez pas ? Et personne ne s’inquiéterait du fait que vous, le·la comédien·ne, n’avez pas de moustache. C’est pareil pour le genre. Si vos intentions sont bonnes, allez-y. Vous avez ma permission. (Et vous n’en avez pas besoin !) »

L’improvisation « monogenre » permet de limiter les risques de sexisme sur scène, offre encore une belle palette de jeu, mais a pour conséquence d’invisibiliser les identités queer. Quand et comment incarner un personnage non binaire ? Intersexe ? Transgenre ? L’approche monogenre n’apporte aucune réponse.

Comme on l’a vu précédemment, la pratique d’une improvisation monogenre fige aussi l’assignation des genres au sein du collectif, et la répartition des pouvoirs associés à ces genres. La palette de jeu des hommes reste plus large que celle des femmes, parce qu’elle est de facto plus large dans la pop culture.

Témoignage anonyme d’une artiste non binaire relayé par le compte « Paye ton Impro » (2021)

Pour citer la chercheuse et improvisatrice québecoise Estelle Valette (2021) : « cela revient à enfermer les oppreseur.es et oppréssé.es dans des rôles aux positions sociales similaires. En ce sens, lorsqu’un.e improvisateur.ice entre en scène, c’est son apparence corporelle que l’on regarde avant même de connaître son personnage. »

La méthode « monogenre » est donc malheureusement une solution de facilité. Il faut faire preuve de plus d’ambitions, et jouer plus subtilement.

Pas si facile s’il s’agit de faire incarner d’autres identités de genre à des mecs cis hétéros…

Le piège du « gentil mec »

Dans quelles conditions peut-on correctement faire incarner des personnages féminins ou queer par des hommes ? Le terrain est miné !

Stephen Davidson écrit « Si vos intentions sont bonnes ». Certes. Je vois bien l’idée mais cela reste trop flou pour moi. Comment garantir que les intentions d’un comédien sont « bonnes » ? Tout le monde pense être le gentil de son histoire, je ne vois pas exactement comment cette approche permet d’éviter les stéréotypes sexistes. L’exemple du personnage chat choisi par Stephen Davidson me semble paradoxalement éclairant : notre façon de les improviser reste toujours en surface, et la plupart du temps nous omettons la relation spéciste que nous entretenons avec les animaux, qu’ils soient sauvages, d’élevage ou domestiques.

Mais ne lâchons pas tout de suite l’affaire. Nabla Leviste précise cette notion de « bonnes intentions » dans son livre :

« Par l’observation et la pratique, j’en ai déduit la règle inconsciente qui semblait créer les caricatures : habituellement, lorsqu’on joue l’autre sexe, on joue quelque chose qu’on n’aime pas dans l’autre sexe. Et si, pour changer, on jouait quelque chose qu’on aime chez l’autre sexe ?

Soudainement, nos femmes sont normales : certaines sont capables de faire plusieurs choses à la fois sans le faire remarquer. Elles sont capables de se déplacer sans rouler des fesses. Elles sont capables de se maquiller sans faire des grimaces étranges. »

Si Nabla a constaté cet effet dans ses ateliers, je suis sûr que l’approche a du bon dans les faits. Cependant, « représenter ce que l’on aime chez telle ou telle population minorisée », quand on appartient à la population dominante, cela suscite toujours chez moi un malaise.

Imaginons un instant qu’on ne parle pas des femmes, mais des noirs. Un blanc veut incarner un personnage noir. Il devrait donc présenter sur scène quelque-chose qu’il aime chez les noirs. Que va-t-il proposer ? Faire comprendre qu’ils ont le rythme dans la peau ? Qu’ils sont joyeux et insouciants ?… Même positif, un stéréotype raciste (ou sexiste) reste un stéréotype raciste (ou sexiste). La bonne intention préserve peut-être de l’outrage, mais n’évite pas le cringe…

Rien n’est plus horripilant qu’un oppresseur aveugle à ses préjugés et qui est persuadé de bien faire.

Si vous êtes une lectrice et que je vous demande de penser à des exemples d’hommes qui ont déclaré leur « amour » ou leur « admiration » pour « les femmes » ou « la femme », je suis certain que les premiers souvenirs qui vous viennent ne vont pas être très agréables.

On peut tout jouer, mais pas avec n’importe-qui

La bonne intention ne suffit pas. Il faut connaître les préjugés sexistes dont nous sommes imprégnés, mieux connaître la réalité concrète de ce que veut dire être une femme dans la société française contemporaine, et savoir utiliser ces connaissances pour faire des propositions scéniques appropriées.

Cela veut dire faire de l’improvisation consciente. Et cela se travaille, de manière approfondie, sur la durée, en solo et en groupe, et avec les personnes concernées.

Ouardane Jouannot résume cette approche de la manière suivante : « jouez (…) un genre dans lequel vous vous reconnaissez et que vous pouvez jouer avec authenticité. » Ce qui va un peu plus loin que l’approche de Nabla : il s’agit de jouer ce à quoi on peut s’identifier. Il faut pour cela être capable d’exercer une empathie bien informée.

Une fois correctement acculturé à cette question, un collectif d’improvisation peut décider de ce qu’il veut proposer sur scène concernant les identités de genre. C’est possible par exemple de jouer des scènes qui dénoncent explicitement le sexisme de notre société. Qui font exister des identités trop souvent mises au placard, dans la vie quotidienne et sur les planches.

En hommage à Impro Memes

Mais attention, il reste fondamental d’être au clair de QUI joue et POUR QUI on joue.

Si vous n’avez aucune femme ou aucune personne queer au sein de votre troupe, déjà posez-vous sérieusement des questions ! 😅 Dans une telle configuration, je vous recommande de rester humble, car vous risquez de traiter très maladroitement les vécus des personnes minorisées. Ouardane Jouannot estime qu’on « ne peut pas inventer avec justesse le vécu d’autrui« . Je suis loin de lui donner tort.

L’approche la plus safe sera alors de faire en sorte que l’identité de genre de vos personnages ne constitue pas un problème dans les scènes que vous jouez.

Une femme est cheffe d’entreprise ? Aucun personnage ne va le faire remarquer. Il y a un couple lesbien dans une histoire ? Ce ne sera pas le sujet de la scène. Une femme est experte dans un domaine ? Personne ne va le souligner et aucun personnage masculin ne va venir l’interrompre ou questionner sa légitimité.

J’aime cette approche car elle permet de rééquilibrer la représentation des genres en ouvrant les imaginaires. Cela nécessite un travail de groupe, pour que chaque membre soit sur la même longueur d’ondes, mais il n’est pas nécessaire non plus d’avoir une connaissance approfondie des vécus des personnes minorisées. C’est à la portée de tout un chacun.

Et si vous avez en votre sein des improvisat·eur·rice·s queer, c’est une formidable occasion de leur permettre de partager leur vécu sur scène. Que les personnes queer du public puissent enfin voir leur expérience partagée. Que les personnes non-queer puissent faire une expérience enrichissante d’empathie.

Ensuite, pour décider QUOI jouer sur scène, il faut vous poser la question de POUR QUI vous voulez jouer.

S’il s’agit d’un public composé majoritairement d’hétéros cis-genre, je trouve que l’approche « le genre n’est pas un problème » est très puissante. Car faire exister des identités qui sont – malheureusement – subversives du fait de leur seule existence, cela a des vertus non négligeables de dessillement.

Si en revanche vous voulez vous adresser aux membres de votre public qui sont minorisé·e·s (les femmes, les personnes queers, les personnes racisées…), alors vous aurez intérêt à faire pleinement honneur au véritable vécu des membres de ces communautés. Le genre n’est pas un problème, mais il peut devenir un sujet central de vos scènes.

Le témoignage de mon camarade Ewen Moreau, comédien transgenre à Toulouse, me semble tout à fait éclairant (2026) : « Hier je jouais à la Gougnotte avec Miel, un bar queer donc, et on est 2 queers sur scène. Jusqu’ici on avait encore du mal a jouer des personnages queers qui parlent de leur queerness et de certains enjeux qui peuvent aller avec. Hier on se l’est autorisé, eh bien les retours du public c’était vraiment « ah ça fait du bien de se reconnaître dans ce que vous avez joué » !
Moi même je sais que quand je vois un spectacle avec au plateau des personnes queers ou LGBTQIA+, j’ai toujours l’espoir secret qu’on parle de nos identités, pour enfin se voir representé·e·s. Donc je dirais, quand t’es queer, et si tu le sens (c’est surtout ça l’important) PLEASE joue un personnage queer et fais-le parler de sa queerness, on a besoin de ses représentations en tant que queers, et on a besoin que les cis-het les voient aussi pour se décentrer un peu.« 

Sur le long terme, il devient ensuite possible d’explorer toute la palette de jeu offerte par le genre. Cela suppose de travailler, en atelier puis en spectacle, à découpler l’assignation de genre et l’expression de genre. Qu’est-ce que cela fait d’incarner un homme hétérosexuel dont l’expression corporelle intègre des codes liés à la féminité ? Ou à l’inverse un personnage féminin dont le langage corporel est codé « viril » ? Que se passe-t-il quand on mélange au sein d’un même personnage des signaux qui appartiennent a priori à des genres distincts ? Les possibilités d’exploration sont infinies.

Estelle Valette le formule par ces mots :

« le temps est à la réappropriation des normes sociétales dans l’improvisation, en composant un espace où performer devient une émancipation de toutes conformités. J’entends par ici un processus de réflexion auprès de l’improvisateur.ice, qui doit dépasser sa performance corporelle « de tous les jours » afin d’orienter son jeu physique et mental vers un nouveau genre. »

En cela, les communautés queer et drag ont une large longueur d’avance sur la communauté théâtrale dans son ensemble. Les improvisat·eur·rice·s ont beaucoup à gagner à connaître, analyser et digérer le travail mené par ces communautés d’avant-garde (qui sont pourtant anciennes…).

Cela demande un passionnant travail d’exploration théâtrale. L’atelier d’improvisation doit alors retrouver sa vocation fondamentale de laboratoire !

Stephen Davidson propose par exemple de s’entraîner avec un jeu de cartes, en piochant au hasard une carte dont la valeur est comprise entre 1 et 10. 1 correspondant au maximum d’expression de genre masculin et 10 au maximum d’expression de genre féminin. Ce qui est intéressant est de voir comment on joue des valeurs de type 4-5-6. Quels leviers sont mobilisés ? Puis de combiner avec d’autres tirages au sort : une chance sur deux que notre personnage soit féminin ou masculin dans la diégèse. Ou tirage au sort du « statut » de notre personnage, sur une échelle de 1 à 10, etc…

Notre liberté s’arrête là où commence celle des autres.

On ne maîtrise souvent pas les assignations que peuvent nous faire nos camarades sur scène. Je me souviens avoir commencé de nombreuses scènes avec un genre en tête, et m’être vu qualifié de femme ou d’homme par mon partenaire, sur la base du statut social de mon personnage ou de mon langage non-verbal.

On ne peut explorer vraiment la richesse du genre qu’avec la complicité de nos partenaires. Sinon, par défaut, ce seront les codes hétéro-patriarcaux qui seront mobilisés à nos dépens, quelles que soient nos propres intentions ou ambitions de départ.

Estelle Valette souligne que « l’importance qui est donnée à l’hétérosexualité participe à l’invisibilité des sexualités homosexuelles, ou queer, dans la forme médiatique qu’est l’improvisation. »

On ne maîtrise (quasiment) pas la réception de notre jeu par le public.

J’ai incarné sur scène de très nombreux personnages non genrés. Une affirmation qui est à la fois vraie et fausse.

Elle est vraie de mon point de vue : dans de très nombreuses scènes, je n’ai pas genré mon personnage et j’étais conscient de cette indétermination, qui ne me gênait pas du tout !

Ouardane Jouannot témoigne d’une approche similaire: « Il m’est arrivé plusieurs fois de jouer des scènes romantiques avec un homme sur scène, et une partie du public projette un homme sur mon personnage, et l’autre une femme. Pour moi, le genre n’est pas toujours important, laissons le public projeter ce qu’il veut« .

Par contre, je suis certain que dans l’esprit de la majorité des spectateurs et spectatrices, ces personnages «  agenrés » sont perçus comme masculins. Car pour reprendre le propos de l’article de Charlotte Finet, dans notre société, c’est le « masculin neutre » qui s’impose.

Estelle Valette relève aussi ce mécanisme : « La perception sociale du corps, ainsi que les normes sociales quotidiennes qui s’y rattachent, persiste sur le personnage joué par l’acteur.ice. »

En tant qu’artiste, nous ne pouvons pas pleinement contrôler la façon dont ce que nous jouons sur scène est perçu et compris par le public.

« Le public possède une position propre à lui, dans le sens où, même s’il ne peut contrôler ce qu’on lui montre, il n’est pas pour autant dans une posture passive. » (Estelle Valette)

C’est à la fois une bonne et une mauvaise chose. C’est plutôt rassurant de se dire qu’on ne peut pas totalement manipuler les spectateurs et spectatrices ! Mais c’est aussi frustrant de savoir qu’on ne peut pas les libérer des préjugés et conditionnements qui les caractérisent.

En vérité, nous conservons une certaine marge de manœuvre. Il est tout à fait possible de préparer le regard du public, d’ouvrir les horizons de perception. Ne serait-ce qu’en proposant en début de spectacle un propos introductif du type : « Vous avez devant vous des comédiens et comédiennes. Ce soir, iels deviendront bien plus que cela. La magie de l’improvisation leur permettra d’incarner tous les âges de la vie, de naviguer entre les identités de genre, et même qui sait d’incarner des entités non humaines. Préparez-vous à tout, même à l’impossible. »

Je vous laisse méditer sur un dernier extrait des écrits d’Estelle Valette : « Lorsque la performance est destinée à autrui, il est complexe d’anticiper comment le public va l’analyser l’assimiler ou le mettre en parallèle. Or, il est possible d’orienter sa compréhension, en organisant la structure intentionnelle de l’improvisation, pour faire adopter aux spectateur.ices un regard spécifique tout au long de la performance. »

Nous pouvons ouvrir le regard du public à l’échelle d’une représentation, mais aussi sur une échelle de temps plus longue, si nous avons la chance d’avoir des habituées qui viennent nous voir régulièrement. C’est l’occasion d’avancer collectivement sur nos représentations et notre perception du monde.

Alors, peut-on sortir de l’improvisation monogenre ? Oui, mais y a du boulot ! Et malheureusement ce boulot repose principalement sur les femmes et les personnes LGBTQIA+…

Je laisse Ewen expliciter : « Je pense qu’un stage d’empouvoirement pour les personnes sexisées sera beaucoup plus prisé qu’un stage sur « comment ne pas reproduire des clichés sexistes » destiné à un public masculin, qui à mon avis se sentirait moins concerné. Peut-être que je suis pessimiste, mais je vois plus de meufs culpabiliser de ne pas jouer des meufs puissantes sur scène que des mecs culpabiliser de jouer des meufs cliché.« 

Difficile de lui donner tort. Comme je l’écrivais dans un précédent article, la priorité reste de constituer des collectifs véritablement diversifiés. Si nous sortons de la monogamie, beaucoup de problématiques sur lesquelles nous nous prenons la tête se résoudraient d’elles-même !…

Je serai ravi, si j’en ai l’occasion, de travailler avec des artistes queer pour explorer les représentations et les vécus liés aux identités de genre. En attendant, je vais principalement continuer de me contenter du monogenre sur scène. Et ce n’est pas un drame !

Pour aller plus loin

Livres

Podcasts

  • Impro Blabla, épisodes consacrés à « Improviser les genres », avec Eva, Marie-Laure et Mathieu, membres du collectif Impro, Sexes et Genre (partie 1), Estelle Valette (partie 2) et Loïc Valley (partie 3) – 2021
  • Entretien avec un improvisateur n° 48 : Loïc Valley – 2020

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